世界屈指の美の殿堂から来日したヨーロッパ名画の魅力を語る

ロンドン・ナショナル・ギャラリー展
The London National Gallery



英国のロンドン・ナショナル・ギャラリーは、ヨーロッパ絵画を網羅する世界屈指の美の殿堂として知られています。その中から、すべて初来日の61作品の所蔵作品展「ロンドン・ナショナル・ギャラリー展」が2020年10月18日（日）まで国立西洋美術館(東京・上野)で開催されています。その中から心に残った作品についてもその魅力をご案内させていただきます。

The London National Gallery in the UK is one of the world's leading museums covering European paintings. The exhibition "London National Gallery" with 61 works is being held at the National Museum of Western Art (Tokyo, Ueno) until Sunday, October 18, 2020. I will also show you the charms of the works that left an impression on you.

カルロ・クリヴェッリ 『聖エミディウスを伴う受胎告知』1486年

　イタリア人画家カルロ・クリヴェッリの祭壇画のために描かれた、珍しいスタイルの『受胎告知』の前で立ち止まってしまいました。クリヴェッリは、若き日のドナテッロの影響を受け、斬新な遠近感、強烈な表現主義と鋭くて神経質なデザイン感覚がある一方、豪華な後期ゴシック様式の装飾が施され、古風で抽象的な基本構想に著しい真実の瞬間を挿入しようと努めていたようです。『受胎告知』は、ルネッサンスの遠近法の合理性とゴシックの装飾主義の融合が頂点に達し、マルケにおけるルネサンスの最も重要な傑作の1つとなり、クリヴェッリの芸術的なセンスを感じさせる最も有名な作品の1つとなりました。

　天国からのびる光線は、聖母マリアの聖霊による妊娠を表現しています。左側の奥行きの閉じた通路とマリアの寝室にある純水のフラスコは、マリアの処女性を象徴しています。部屋の外には、翼のある天使ガブリエルがアスコリピチェノの守護聖人である聖エミディウスと一緒に描かれています。手前のリンゴは、禁断の果実とそれに伴う人間の転落を表しています。キュウリは復活と贖いの約束を象徴しています。孔雀は、その肉が腐ることはないと信じられていたため不死を象徴しています。ロッジアの一階を東洋のカーペットが飾っています。絵の下部には、教皇シクストゥス4世と地元の司教・プロスペロカッファレリの紋章が描かれています。

パオロ・ウッチェロ 『聖ゲオルギウスと竜』1470年頃

　作品は騎士聖ジョージを描き、馬の上から恐ろしい竜を刺している。黄金伝説の話によると、聖ジョージは、彼を負傷させた後、王女を恐れずにベルトで縛るように誘い、彼女を「非常に柔和な雌犬のように」街に連れて行き、そこで聖人に殺されて人口をキリスト教に改宗させる。聖ジョージは、獣姦を打ち負かす理性と悪を克服する信仰の象徴です。

　形の厳密な表現にもかかわらず、聖ジョージとドラゴンの配置は奥行きに説得力のある表現を与えず、単に背景に並置されているため、地面に影を落とすことさえありません。王女は非常に手足が長く貴族的で、後期ゴシック絵画のようです。実際に非常に壊れやすそうな贅沢なドラゴンや非常に細い槍など、おとぎ話や逆説的なヒントは描かれています。

　ゴシック文化とルネサンスの間の移行の作品のようで、いくつかの革新的な要素は存在しますが何か欠けています。同時代の画家であるマザッチョらに比べると、時に不自然にさえ感じられる鮮やかな色使いは国際ゴシック様式の影響であります。パオロ・ウッチェロの魅力であるゴシック的幻想と幾何学的世界の融合は、シューリアリズム絵画が生まれた20世紀になってから改めて評価されました。

ティツィアーノ・ヴェチェッリオ『ノリ・メ・タンゲレ』1514年頃

　ラテン語聖書ヨハネによる福音書20章では、マグダラのマリアは復活後のイエスに最初に立ち会った女性として描かれています。まだ完全に復活を遂げていない状態のイエスに触れようとしたマグダラのマリアが「ノリ・メ・タンゲレ Noli me tangere 我にふれるな」と諌められる場面を描いています。ヴェネツィアの夕焼けの暖かい暑さに浸されたアソーランの風景に描かれたキリストの人物像が地面に降り注いでいるように際立っています。救世主イエスと気が付いたマグダラのマリアが差し伸べた手を白いマントのイエスがそっと拒みます。

　16世紀の20年間、ティツィアーノの絵画の穏やかで穏やかな画風からダイナミックな身振りとより高い堅牢性の構成に向けられました。この道はこのロンドン・ナショナル・ギャラリー絵画から始まっているようです。マグダラのマリアに背を向けて激しく絵画の枠から出たがっているようにも見えるキリストがいます。光によってせき止められた色の形の幅を伴って集中して抑制された組成構造、マグダラのマリアの服の細かく絞られたひだ白いベールのきらめく透明度、色の素晴らしさ、そして素朴な色と遠くに傾斜した青がみられます。ティツィアーノが遠近法のルールに従うだけでなく、画家の色彩の味に基づいて作成された比喩的な要素を重ね合わせることによって比喩を構築しました。色を濃くすることと緑、青、赤を追加することで色をより鮮やかにし彩度を高め、明るさを失うことなくトーンの豊かさを増し深みを与えました。雲に覆われた空の青から始まり、ティツィアーノは、観察する人に最も近い観測平面に到達するまで色の層序を加えていきます。

レンブラント・ファン・レイン 『34歳の自画像』1640年

　レンブラントが描いた40以上の自画像の1つで、レンブラントの最盛期の前世紀の派手な衣装を着た自画像です。レンブラントがラファエロやティッツィアーノをアエムラティオの対象としたことは明らかであると言われ、レンブラントは古典主義への回帰のためではなく、反古典主義な精神を芸術として成立させるためにルネサンス期の巨匠らの作品を自らの作品に取り入れたのです。「34歳の自画像」は、反抗精神のあるレンブラントの挑戦だったのです。深い精神性を携えた画家の眼差し、力強い造形と姿勢、レンブラント特有の光による明暗対比は唯一無二です。古典主義的画風をレンブラントの画風に変容させることに成功したと言えます。ラファエルの『バルダッサーレ・カスティリオーネの肖像』とティツィアーノ『手袋の男』を意識していたレンブラントは、アムステルダムこれらの両方を見てラファエルのスケッチを作り、エッチングで石の壁に寄りかかって似たようなポーズを試し自分自身を描きました。

ヨハネス・フェルメール 『ヴァージナルの前に座る若い女性』1670-72年頃

　ヴァージナルを演奏する左向きに座る女性が描かれた作品で、柔らかな光と色の豊かな使い方は賞賛に値します。前景左には弦に弓が差し込まれたヴィオラ・ダ・ガンバが置かれています。ヴァージナルの蓋の内側には風景画が装飾として描かれており、壁にはフェルメールの義母ディルク・ファン・バビューレンの『取り持ち女』がかけられています。画面左上部にはタペストリがあり、画面右下の壁が床に接する部分はデルフト陶器のタイルで装飾されています。1670年ごろに描かれたロンドン・ナショナル・ギャラリーが所蔵する『ヴァージナルの前に立つ女』と対になる作品ではないかと考えられ、主題と構成、モデルの髪型は類似して、バンズで結んだ髪の毛と色付きのリボンの装飾が両方の絵に反映されています。

ドミニク・アングル『アンジェリカを救うルッジェーロ』(1817～1819年)

　ルネサンス期イタリアの叙事詩人ルドヴィーコ・アリオスト代表作である壮大な物語詩『狂えるオルランド』（1516年）は、ヒッポグリフ（鷲と馬を合わせた伝説上の生き物）に乗っている騎士・ルッジェーロが、ブルターニュの海岸近くを通る際、涙の島の岩に鎖でつながれた美しい女性・アンジェリカを発見します。アンジェリカは海の怪物への人間の犠牲として彼女をそこに残した野蛮人によって誘拐され裸にされました。ルッジェーロが彼女を助けようとすると、水中から大きな怪物が現われます。それは、アンジェリカに接近するモンスターです。ルッジェーロは怪物の目の間を槍で突き、アンジェリカを助けます。

　アングルは、入念に構成された調子の緊密な諧調、形体の幾何学的解釈で傑作を描き上げた。入念に組み立てられた肌理・テクスチャと徹底的に技術的に研鑽された描線、緊密な調子の諧調により成立する空間は端正な形式美を湛えています。この様式美はセザンヌによって「肉体を全く描かずに済ませた」と批判されるほど徹底しています。アングルは1817年に本作の依頼を受け1819年に完成させ、1819年のパリのサロンで『グランド・オダリスク』とともに展示しましたが、アンジェリカの描写について批判されました。アングルは同この主題で幾つかのバージョンを描いています。最終的に1894年にエドガー・ドガによって購入され、現在はロンドン・ナショナル・ギャラリーに所蔵されています。

ウィリアム・ターナー『ポリュフェモスを嘲るオデュッセウス』

　1829年この作品の主題は、ホーマーの『オデュッセウス』から取られています。片目の人食い巨人ポリフェムスが部下を捕虜にした島から、ユリシーズは眠っているポリフェムスから逃げて航海するユリシーズは、彼とその部下を捕らえた船の赤い旗の下に立ち、名前を叫んで巨人を罵倒します。島を振り返ると、ヘルメットと緋色のマントを身にまとったユリシーズは、は勝利で腕を上げ、巨大な影の形をした巨人の目を眩ませる炎のようなトーチを持ち上げます。ポリフェムスの巨大な影のある体は、上にそびえる崖の上に広がっています。ユリシーズは島を振り返りながら腕を上げて勝利を収めました。朝の霧に輝く太陽が昇ると、船の船首に輝く海のニンフとトビウオが集まり、太陽の神アポロの馬に引かれ太陽の鮮やかな円盤に象徴される夜明けが到着します。

　この絵画は海の風景を描いた風景画ではなく、ホーマーの『オデュッセウス』を描いたある種の歴史画と言えるかも知れません。ターナーは黄色、赤、オレンジの多彩な輝きを見せる太陽の光の輝きを反映させた複雑な色合いの海面のうねるような白い波浪と壮麗な死は記載の競演が、不気味な巨人の死の影を感じさせます。その影が隠し味のようにこの絵画の色彩効果を高めているところに画家ターナーの才能を感じます。

　ターナーはイタリアで作られたスケッチ油に基づいていた作品を含むいくつかの大胆な作品をロンドンのテートに展示し、そこにはまばゆい黄色の太陽が含まれていました。新しい絵画を生成するためにターナーは、1829年のロイヤルアカデミーの展覧会のために聖ウルスラの乗船とシーポートの絵のような日の出に応じた作品を描き、ターナー自身はこれを非常に賞賛していました。

フィンセント・ファン・ゴッホ 『ひまわり』 1888年

　世界中の美術館やギャラリーに展示されているひまわりの5つのバージョンの1つです。ゴッホは、アルルの彼の家を飾るために、彼の友人であり仲間のアーティストであるポールゴーギャンの訪問に備えて絵を作りました。

　「ひまわりは私のものです」とゴッホはかつて宣言していたように、ひまわりの花がゴッホにとって様々な意味を持っていたことは明らかです。こヒマワリのライフサイクルのさまざまな段階は、若い芽から成熟して最終的に腐敗するまで、人間の行動の一時的な性質を強調するオランダの17世紀の花の絵画の移ろいやすい美と生命の儚さを思い起こさせる芸術の伝統に従います。ひまわりはまた、友情の象徴であり、自然の美しさと活力の祭典であることも意図されていました。ヒマワリの絵は、ヴァンゴッホがアルルで制作した最初の絵画の1つであり、ゴッホの署名的な表現スタイルを示しています。ゴッホの最も象徴的で最も愛されている作品の1つです。

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