緑に囲まれたイタリアルネッサンス屈指の傑作が揃う美術館
ボルゲテーゼ美術館
The Borghese Gallery
ボルゲテーゼ美術館は、バロック様式と新古典主義様式の白亜の建築で、教皇パウロ5世の甥・シピオーネボルゲーゼ枢機卿のコレクションを展示した宮殿美術館です。古典的な考古学に捧げられた優れモザイク、色鮮やかな壁画のレリーフや美しいフレスコ画の天井画に、と印象的な彫刻や傑作名画が完全に保存され、壁に飾られています。
The Borghese Gallery exhibits acollection of Cardinal Sipione Borghese. We can see mosaics, wonderfulsculptures of Gian Lorenzo Bernini and Canova and paintings of Antonello daMessina, Giovanni Bellini, Raphael, Titian, Correggio and Caravaggio in the BorgheseGallery.
ボルゲテーゼ美術館は、ローマの中心部、ピンシオ地区の緑に囲まれ、多くのローマ人が愛する通りが交差する素晴らしいボルゲテーゼ公園の中心にあります。ボルゲテーゼ美術館の印象的な歴史的な建物の中に、エレガントで洗練された堂々としたインテリアとエクステリアには庭園に囲まれています。
ボルゲーゼ美術館内では、1階には5世紀から18世紀にかけての彫刻や浅浮き彫り、モザイク、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニとカノーヴァの素晴らしい彫刻や光と影の天才・カラヴァッジョの作品が展示されていました。
ベルニーニ『アポロとダフネ』1622～1625年
バロック彫刻の巨匠ジャン・ロレンツォ・ベルニーニの作品で、太陽の神アポロが美しい娘ダフネに恋して、我が物にしようとダフネを手で掴んだ瞬間、ダフネが月桂樹の木へと姿を変えていく瞬間を表現した彫刻。ダフネの5本の指は枝や葉へと変貌し、足元からは根がはえ、体はみるみるうちに木の皮に覆われていくという衝撃的な瞬間を繊細な技巧によって表現しています。このアポロとダフネの繊細で官能的な緊迫感溢れる作品です。ギリシャ神話の劇的な出来事が目の前で起きているかのように、二人の動きと月桂樹の木の絡み合う様子が躍動的に表現され、大理石で造られていることを忘れてしまうようでした。
2階には、ラファエル、ティツィアーノ、アントネッロ・ダ・メッシーナ、ジョヴァンニ・ベリーニ、ラファエロ、ティツィアーノ、コレッジョ、ルーベンス、ボッティチェッリなどの巨匠の絵画が展示されています。
ラファエロ『キリストの埋葬』 1515年頃
キリストの埋葬、キリストの哀悼の共通の主題の要素を共有しています。あるジョルジョ・ヴァザーリも、ラファエロの作品を物語の絵画として理解していました。
この最も神聖な絵には、死せるキリストが墓所に運ばれ、そのような新鮮さと愛情のこもった注意を払って処刑されているので、目にはただ塗られただけのように見えます。この作品の構成の中で、ラファエロは、死んだ人の最も近くて最も愛情深い親戚が、彼らの最も愛されてきキリストの体を休ませることに感じる悲しみと名誉を自分自身に想像しました。聖母は気絶しているのが見えます。そして、すべての人物の頭は、特に聖ヨハネの頭を握り締めて、最も辛い心を憐れんで動かすように頭を下げて泣きながらとても優雅です。この絵が示す勤勉さ、愛、芸術、そして優雅さを考える大きな理由があります。
背景には右側ははりつけと沈着の場所であるカルバリー山で、左側は埋葬が行われる洞窟です。2人の男性が、死せるキリストを運ぶために亜麻布を使用し、体を支えるすべての参加者が仮死状態にあるように見えます。二人の男とキリストはV字型の非常に強い対角線を形成します。体を運ぶ二人の男の他に、聖ヨハネとニコデモが後ろと左にいて、マグダラのマリアがキリストの手を握っています。右端のグループには、圧倒的な悲しみのために気を失った聖母マリアを支える3人のマリアがいます。色に関しては、ラファエルは強い赤、青、黄、緑の使用のバランスを取り、生きているマグダラのマリアが死せるキリストの手を握っているときに最もよく見られる肉の色調に微妙なコントラストを作り出します。
ティツィアーノ『神聖な愛と俗悪な愛』 1515年頃
Titian's"Sacred Love and Evil Love" is an early and extremely important workwith a hidden allegory. It can be said that Titian wanted to express perfectlythe harmony between faith and humanity, which was the goal of Renaissancehumanism, with the wonderful screen composition and colors.
1514年にヴェネツィアのニコラスアウレリウスとローラバガロットの結婚式で実現しました。愛の神であるヴィーナスの子供によって直接助けられます。似たような完璧さを持った二人の女性は、船の属性と、神の愛の燃える炎を手にした永遠の幸福と天国の喜びを備えた、互いの「地球上の短い幸福」を象徴しています。
西欧の伝統では、裸体は純潔、潔白を示すはものであり、「心理」は常に裸体で表現され、「心理は裸である」と観念を表しているのです。一方服をまとうことは、心理を覆い隠すことを意味していました。服を着て地上の財産にしがみつき、かない夢を握りしめた女性は、世俗的な愛擬人像であり、裸で炎を握りしめた女性は聖なる愛の擬人像です。
右側の美しく着飾った婦人が地上の人地上の愛の擬人像です。彼女とよく似た裸体の女性像が点状の以遠の宇宙の美神で、彼女が高々と掲げている燃える炎は天上の見えざるものの象徴です。一方着衣の夫人がしっかりと持っている壺は地上の財宝を暗示するもので、右手に握るバラの花は地上の快楽の象徴です。
服を脱いだ姿の道徳的な読みによる700年後半の解釈の結果ですが、作者の意図は、その地上と天国に愛の高揚があります。実際、ティツィアーノと彼の友人の輪によって共有された新プラトニズムのビジョンでは、創造の美しさの熟考は、宇宙の秩序の神聖な完全性を知覚することを目的としていました。
開かれた田舎のティツィアーノでの愛のこの描写でジョヴァンニ・ベッリーニやジョルジョーネの繊細な詩的で叙情的なものを超えており、その人物は古代の壮大さに起因しています。
牧歌的な風景の中で、2人の女性、1人は服を着て、もう1人は全裸で噴水の近くに立っており、そこで翼のある子供がそこに含まれる水をかき混ぜます。2人の女性はティティアンの心理学によれば、神聖な愛と俗悪な情熱的な愛と、反対の性質の特徴を持っていることを意味します。背景には、左に夜明けの都市と右に日没の村、騎士と羊飼いと対照的です。背景の風景に左側のセラヴァッレ近くの城はサンフロリアーノの塔とモルト湖の水域アソロの丘の風景であり、風景は後木によって均等に分割されているように見えます。
新プラトンアカデミーのマルシリオ・フィチーノ特に間のコントラストに関しては、地上のビーナスおよび天体金星、裸の女性の姿は通常、天の金星、つまり普遍的で精神的な美しさのイメージとして説明され、慈善、知識、または精神的な啓発の象徴と読める、17世紀のキュレーターに影響を与えた道徳的な解釈とは対照的に、彼女は肉欲の愛に捧げられた首の低い女性ではありませんが、シンプルさと純粋さの象徴である古典的な美しさの理想で、その背景は、光を浴びた開放的な道徳的な風景です。対照的に、服を着た女性は、人間の衝動と日陰の背景に置かれた自然の生成力の象徴である地球の金星になります。したがって、2つの中心にあるエロスの位置は、天と地の間の精神的願望と肉欲的願望の間の仲介点となるでしょう。
背景は寓話に関連する概念を表現に役立ちます。左側には、アモールの後ろに山岳風景があり、上り坂の小道の後に城に向かう騎士が続きます。努力と放棄によって、不敬な愛の「世俗的」で「市民的」な性格として征服される美徳に到達すること。右側の風景は平らで伸びており、牧歌的なユートピアを想起させる放牧の群れが点在し、遠くには、宗教的および精神的な領域にリンクされた教会が見えます。
したがって、この作品は、ヴェネツィアの典型的なアリストテレス主義とは対照的に、トスカーナ環境の現在の特徴であるネオプラトニックキーで解釈できる唯一の作品となるでしょう。
クライアントの特定と絵画の作成状況により、解釈の分野は、ある意味でインクの川を克服することで、結婚のテーマに制限されています。愛の文学と当時の哲学に関連する読み物に精通しています。双子のように見える2人の女の子は、私的な領域にリンクされたセクシュアリティと、パブリックな領域にリンクされた貞操の2つの結婚の顔をほのめかします。花嫁の礼拝堂へこれらの2つの面は中央で混合する水のように結び付いています。
この絵の中で、バラの花は重要な働きをしています。左側の豪奢な衣装をまとった貴婦人が泉にもたれて座っていますが、彼女はその手に一束のピンクのバラの花を握っています。泉を囲む石垣の淵にも、バラの花びらが散らばっていますが、この花は中央に銀の盆の上に置かれていたらしく、泉の中央には、背の低い植えたばかりのバラの木がピンクの花をつけています。切られた花は生命の短さに比べて、泉のそばの木は永続する愛の寓意であると理解できます。
左手の着衣の女性は宝の詰まった重たげな壺を抱えこんでいますが、重い壺は地上の財産です。裸体の女性は軽い壺を楽々と片手で捧げて、その壺から空に向かってかすかな炎が上が上がっていますが、空に掲げられた炎は物質ではなく精神の宝物であることを示しています。
座っている女性は、白いドレス、手袋、ベルト、マートルクラウン（金星に神聖な植物であり、ここでは夫婦の愛の象徴）で、当時の花嫁のような格好をしています。噴水の端には、出産後に使用されるためキットの典型的な要素である洗面器があり、豊饒の願いとして読むこの絵は、情熱に轡をかけて、永遠の愛と帝切の愛へと高めようとする意図が描かれていることから、これが教会によって祝福された記念画であることは間違いないと考えられます。画面全体の雰囲気は晴朗で牧歌的であり、描かれている二人の女性も、それを取り囲む世界も美しく晴れやかです。二人の身体は健康で充実しており、赤と白の対比も鮮やかです。赤はヴィーナスの支配する愛の情熱を表し、白は純潔を表しますが、二人の色を混ぜたピンクのバラが中央で両者を調和させ、情熱と貞節、物質と精神を暗示しています。ティツィアーノが表現したかったのは、ルネッサンスヒューマニズムが目指した、信仰と人間性の調和を見事な画面構成と色彩によって完璧に表現したものといえるのではないでしょうか。
ロレンツォ・ロット『聖カタリナと聖人の神秘的な結婚』 1524年
ロレンツォ・ロットの最大の魅力は、その革新性です。ロレンツォ・ロットは各地を転々とする間に多くの様式を吸収して、それらを昇華させ、古典的な様式から離れた独自の路線を開拓しました。彼の革新的な構図は「傷ついたイエスの血を集める天使たち」や「ロザリオの聖母」に見ることができます。ロレンツォ・ロットは絵画史上初めて人間の内面を描いた画家でもあります。「受胎告知」では、マリアを使って人間本来の行動を描き、肖像画では、小道具や寓意を使ってモデルの内面を表現しています。さらに、死の直前に描いた「キリストの神殿奉献」では、自分の内面をも描き切りました。ロレンツォ・ロットは、主流から外れて独自路線を開拓したため「反骨の画家」だの「流浪の画家」といわれていますが本人は反骨のつもりはなく自分の工房だって持っていました。この作品はロレンツォ・ロットがベルガモで働いていたときに商人フェリーチェ・カソッティに委託され、カソッティの息子の婚姻寝室に飾られていました。作品はかつてクイリナーレ宮殿に飾られていました。
コレッジョ『ダナエ』 1531〜1532年
ダナエは、ギリシア神話に登場するアルゴスの美貌の王女です。父はアルゴス王アクリシオスで、母はラケダイモーンの娘エウリュディケー、あるいはアガニッペーである。黄金の雨に変身し天窓から侵入したゼウスに愛されて、英雄ペルセウスを生んだといわれています。古代ローマの詩人オウィディウスの著作『愛の詩』によれば、黄金の雨に化身した主神ゼウスがダナエを誘惑し、後に神託どおりにアクリシオスを殺害することになる男児ペルセウスを身籠らせました。
コレッジョが描いたダナエはベッドにもたれかかり、エロスが頭上の雲から降り注ぐ黄金の雨を見つめながらダナエが身にまとう布を脱がそうとしています。ベッドの下では羽をもつ二人のプットーが黄金の雨を舐めており、すぐそばには鉛の矢が石の上に置かれている。コレッジョの発明は並外れています。
シートの真っ白とダナエの真珠色のボディの間の明るい色の非常に調整され再生されます。自分の胎内に金色の滴を優しく迎えるとき、自分自身に微笑む少女として表現されています。同じ神話の他の多くの表現とは異なり、金色の雨の雲の出現を驚かせて、この甘い姿や若くて美しい翼のある天使の姿には邪魔はありません。
部屋の光のほとんどは右から来ており広くて強いです。この鮮明で活気のある照明は、柔らかな影とグラデーション効果を生み出します。風景はもう1つの鮮やかなフィールドであり、部屋の柔らかく深いトーンとは対照的です。注意深く観察すること、神の雨の入り口への不可欠な手がかりとして雲で占められている上部蓋からの光の穏やかな降下を示しています。愛撫照明の素晴らしい変化は生きているモデルによる注意深く研究されたことを示唆しています。コレッジョが説明した穏やかで甘い雰囲気はダナエに提案提供し、実質的に異なる方法で作り直した可能性があります。
再び１階に降りると、カラヴァッジョの絵画を鑑賞することができました。
カラヴァッジョ『聖アンナと聖母子』 1605〜1606年
創世記（III.15）からの一節によると無原罪懐胎を描いています。構図は、暗黒の背景から浮かび上がった聖母子が蛇を踏みつけ、それを聖母の母アンナが見守っているというものです。聖アンナは、教皇庁馬丁組合の守護神とされていました。蛇は邪悪の象徴であり、それを踏みつける構図は、悪をこらしめるキリストをあらわしています。
聖母マリアと幼子イエスは、聖アンナよりもダイナミックに見えます。ボリュームの優れた遊びと対照的な聖母マリアの胸と服の襞の調和があります。光は絵画において重要な役割を果たし、1つは左から来て、画像にボリュームを与える役割を果たしています。もう1つは上から来て、神の恵みの光を象徴しています。
無原罪懐胎の象徴的なテーマをめぐる論争創世記からの解釈から生じました。カトリック教徒はヘビの頭を足で押しつぶすメリットがありました。一方、ルター派は邪悪な者を打ち負かしたのは息子でした。カラヴァッジョの選択はルター派の考えに近いため異端であると主張しました。カラヴァッジョはルター派の概念に従わずに反改革の指令にも一致していませんでしたが、聖母と無原罪懐胎の人間性に関して正確に異なる考えを支持していました。彼の概念も元の罪からの贖いにおけるキリストの救いの役割は、聖母のより人間的な性格を浮き彫りにしました。
ジェノヴァからローマにもどったカラヴァッジオは、教皇庁の馬丁組合からこの絵の注文を受けました。完成すれば、聖ピエトロ聖堂に展示されることになっていました。画家としては、聖ピエトロ聖堂に自分の作品が展示されることは最高の名誉と考えられていた。カラヴァッジオはそれまで何度も、聖ピエトロ聖堂のための仕事をしたいと思いながら実現しませんでした。
この絵は、完成後一旦は聖ピエトロ聖堂に展示されたが、その後受領を拒否されてしまいました。理由は記録にありませんが、聖母の母聖アンナが醜い老婆として描かれており、キリストも成長しすぎていることだと考えられます。この種の絵の中のキリストは、思いっきり幼く描かれるか、成熟した姿で描かれるか、どちらかでした。この絵の中のキリストのように、中途半端な年齢で、しかも裸で描くのは不謹慎だと受け取られた可能性がります。
聖ピエトロ聖堂に飾られることにならずカラヴァッジオは大いに落胆したと思われますが、それをボルゲーゼ枢機卿が引き取ってくれました。ボルゲーゼ枢機卿はその後も、機会を見てはカラヴァッジオの作品を集めるようになり、それらの作品はボルゲーゼ美術館を飾っています。この作品は、カラヴァッジオのローマ滞在時最後のものとなりました。カラヴァッジオはこの直後に殺人事件を起こし、ローマを追われる身になるのでした。
カラヴァッジ『ゴリアテの頭を持つダヴィデ』 1609-1610年
ダヴィデとゴリアテの戦いは、旧約聖書のサミュエルの最初の本からのエピソードです。若い羊飼いのダヴィデ、巨大なゴリアテ、イスラエル王国のそれぞれのチャンピオンとフィリスティーンの間の戦闘に関連しています。彼のスリングショットで彼を打ち倒した後、ダヴィデはゴリアテの頭を切り落としました。この絵は、ダヴィデがイスラエル人の王であるサウルのテントに巨人の頭を持って行く場面を示しています。
ダヴィデの半裸で4分の3の顔で見られ、正面から見た無毛の顔は下に傾いています。ダヴィデの視線は、彼が髪の毛で抱いている年上のひげを生やした男のゴリアテの切断された頭にあります。彼の右手は剣を持っています。カラヴァッジョはダヴィデに、血に染まったゴリアテの頭を視聴者に向けて差し出します。
この仕事の主な重要性は、カラヴァッジョが犯した殺人の司法上の許しを得たいという彼の願望によって理解されます。確かに、研究者たちは、例えば彼が受けた傷跡に頼ることによって、ゴリアテの顔を画家の自画像として容易に識別します。カラヴァッジョは自分自身を「悪の化身」として呪われた顔として表現しました。
ダヴィデの性格だけが彼の贖いを許すでしょう。確かにダヴィデはゴリアテに思いやりに満ちた表情を見せています。ダヴィデの表情は勝利したようですが悲しみを含んでいます。ダヴィデのポーズは、剣と鱗である属性を持つ正義の伝統的な表現に関連しています。さらに、ダヴィデを最高の裁判官であり救い主であるキリストの姿と混同する重なるところがあります。
カラヴァッジ『聖ジェローム』 1605–06年
カラヴァッジョは、聖ジェロームが外見ではなく不可欠な役割を果たす紙、頭蓋骨、テーブルと同等の役割を果たす静物を表すかのように、水平形式で4分の3に配置された聖人を描くことを選択しています。彼が勉強しているところ。静物のフランドルの表現に関連して、絵画の各要素には、その場所によっても決定される象徴的な意味があります。例えば、聖人の傾斜した頭は、机の上にある頭蓋骨への空間的な関係を確立します。構成の要素は、地味な様々な色、磨かれた茶色の控えめなレパートリー、聖ジェロームのマントルの赤の色の鮮やかさ、そして本の山から落ちる白いカーテンの色彩の鮮やかさによっても反映されています。
聖人は、本が散らかっている作業台の右側に座って描かれています。大きな赤いシートに包まれた大きな本を読むことに没頭し、彼は腕を長い水平方向の動きで伸ばして、ライティングデスクにクイルを保持します。彼は本に書き込もうとしています。開いた腕によって描かれた水平線は、同じく開いた別の本に置かれた頭蓋骨の記念の森によって延長されます。
しわの寄った額と綿のようなひげを持った老人の姿は、フィレンツェの『イサクの犠牲』のアブラハムと聖マタイと天使の姿に似ています。他の多くの絵画と同様に、カラヴァッジョは演劇の道具として光が演じています。ここで光は聖人の影響を強調することを可能にし、神の存在のしるしです。
この絵は、2つの部分でその構成に強いコントラスト効果を示しています。一方では右側の緋色のコートのように暖かい色調と、他方では左側の白いシートのように冷たい色調です。この象徴的な色の使用により、生と死の間、または過去と現在の間の対話の形を上演することが可能になります。
参考資料
清水満郎 (編)週刊世界の美術館『ボルゲーゼ美術館』2000年
Paolo Moreno, ChiaraStefani (著)”The Borghese Gallery” 2001年
地球の歩き方 A09 イタリア1 ローマ イタリア 2020-2021
フィリッポ・ペドロッコ著『イタリア・ルネサンスの巨匠たち
ヴェネツィアの画家／ティツィアーノ』東京書籍 1995年
若桑 みどり『マニエリスム芸術論』(ちくま学芸文庫) 2010年
若桑みどり著『絵画を読む―イコノロジー入門日』本放送出版協会 1993年
石鍋真澄「教皇たちのローマ ルネサンスとバロックの美術と社会」平凡社
ステファノ・ズッフィ著／千足伸行監修／森田義之、細野喜代 訳
『名画の秘密 ティツィアーノ《聖愛と俗愛》』西村書店2015年
カラヴァッジョへの旅 天才画家の光と闇(角川選書) 2007
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